Ousmane Sembènes DIE SCHWARZE VON... (LA NOIRE DE...) kommt eine besondere Rolle zu, kann er doch als ein Startschuss für ein selbstbestimmtes afrikanisches Kino angesehen werden. Sembène (1923 - 2017) war ein ehemaliger Fabrikarbeiter und wurde Mitte der 1950er Jahre zunächst als Schriftsteller bekannt. 1962 ging er nach Moskau und studierte dort Film. Nach seiner Rückkehr im Senegal begann er, Kurzfilme zu drehen, die ihm bereits die Einladung auf internationale Filmfestivals einbrachten.

Für LA NOIRE DE... ließ Sembéne sich von der Nouvelle Vague inspirieren und drehte mit Handkamera und ohne künstliches Licht. Bewußt nutzt der Film starke Kontraste zwischen den Farben schwarz und weiß, um auch in der Bildsprache die Konflikte Diouanas widerzuspiegeln. Der Film erhielt den Jean-Vigo-Preis 1966 und den Preis des Dakar Black Arts Festival Mandabi.

"Um dem Film eine Innerlichkeit zu verleihen, verwendete Sembéne einen inneren Monolog des Mädchens, um diesen von der von ihren Chefs so dominierten Aussenwelt zu trennen, werden die Gedanken von einer anderen Schauspielerin gesprochen. Das war neu und rückte die verschiedenen Ebenen ihres Lebens in den Mittelpunkt der Geschichte. Sembènes Pionierarbeit inspirierte andere Regisseur*innen, der tunesische Kritiker und Filmemacher Férid Boughedir etwa nannte LA NOIRE DE... ‹unglaublich, enorm bewegend, schön, würdevoll, menschlich und intelligent›. Sembène sollte später einige der wichtigsten afrikanischen Filme der 1970er Jahre drehen.»

Mark Cousins: The Story of Film

Die Regisseurin Sarah Maldoror (1929–2020) ist eine in Südfrankreich geborene Tochter eines Vaters aus Guadeloupe und einer französischen Mutter. Im Jahr 1956 war sie Gründungsmitglied der Schwarzen Thea­ter­gruppe Les ­Griots in Paris, die Stücke von Aimé Césaire und Jean Genet auf die Bühne brachte. Anschließend studierte Sarah Maldoror Film in Moskau.

Maldoror verstand sich als Internationalistin, im Laufe ihrer Karriere hat sie über 30 Filme realisiert, die wichtige Themen der afrikanischen Geschichte und Gegenwart aus einer Schwarzen Perspektive verhandeln. Ihr Werk ist kämpferisch, thematisch und formal vielfältig und gleichzeitig von großer Kohärenz. Zentrale Motive sind Befreiungsbewegungen, Frauenrollen, die Geschichte der Sklaverei und des Kolonialismus sowie Künstler:innen des Surrealismus und der Négritude.

Eine besondere Vorliebe hatte Sarah Maldoror für die kurze Form, sie drehte beispielsweise einige Kurzportraits fürs französische Fernsehen (u. a. eine Kurzdoku über die auch in unserer Reihe vertretene Schriftstellerin und Filmemacherin Assia Djebar). Wir haben aus ihrem Werk ihren frühen Kurzfilm MONANGAMBEE ausgewählt, der die Unterdrückung der angolanischen Freiheitsbewegung durch die portugiesische Kolonialmacht thematisiert. Die Filmmusik steuerte das Art Ensemble Of Chicago bei.

Tomás Gutiérrez Alea (1928 - 1996) wurde dem internationalen Publikum vor allem durch ERDBEER UND SCHOKOLADE (1993, gemeinsam mit Juan Carlos Tabío) bekannt, sein filmisches Schaffen begann aber bereits in den 1950er Jahren und umfasst zahlreiche Spielfilme, Dokumentationen und Kurzfilme. Von der Revolution auf Kuba beflügelt und durch Castros wohlwollende Kulturpolitik zugunsten des Kinos mit den nötigen Mitteln ausgestattet, waren die 1960er Jahre Aleas produktivste Phase. Hier entstanden die beiden meisterlichen Satiren DIE 12 STÜHLE (1962, Romanverfilmung nach I. Ilf und J. Petrow) und DER TOD EINES BÜROKRATEN (1966), mit denen der Regisseur Bürgertum und Bürokratie aufs Korn nahm. ERINNERUNGEN AN DIE UNTERENTWICKLUNG (MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO) hatte die gleiche Gesellschaftsschicht im Auge, fiel aber wesentlich subtiler aus und bringt seinem zunächst unsympathischen Hauptprotagonisten Sergio durchaus ein wenig Wärme entgegen. In noch heute äußerst moderner Form verbindet Alea die Spielfilmhandlung mit dokumentarischen Bildern. Der Film wurde bei seiner Veröffentlichung in Kuba 1968 als "zu wenig revolutionär" wahrgenommen, da er nicht dem Ideal des sozialistischen Realismus entsprach. International hingegen war MEMORIAS ein großer Kritikererfolg und gilt als Meisterwerk des lateinamerikanischen Kinos.

Der mauretanischen Regisseur Med Hondo (1936 - 2019) gehört zur Gründungsgeneration des postkolonialen afrikanischen Kinos. Hondo kam mit 25 Jahren nach Paris, arbeitete zunächst in Aushilfsjobs und gründete eine Theatergruppe, er selbst nahm Schauspielunterricht bei der renommierten Schauspielerin Françoise Rosay und spielte u. a. in Stücken von Shakespeare und Moliére. Ab Mitte der 1960er Jahre widmete er sich zunehmend dem Film, er wirkte als Darsteller in einigen Kurzfilmen mit und drehte ab 1965 schließlich seinen ersten Spiefilm als Regisseur, SOLEIL Ô, der 1970 fertiggestellt wurde. Es folgten acht weitere Filme, darunter die Historienfilme NOUS AURONS TOURE LA MORT POUR DORMIR (1975), WEST INDIES (1979) und SARRAOUNIA (1986), die sich explizit mit dem Kolonialismus auseinandersetzen.

Seinem Debütfilm DER PARFÜMIERTE ALPTRAUM (1977) verdankt der philippinische Regisseur Kidlat Tahimik nicht nur den inoffiziellen Titel "Vater des unabhängigen philippinischen Kinos". Der Film, der auf der Berlinale 1977 seine Premiere erlebte, avancierte zum Kultfilm und zählt bis heute zu den prononciertesten Filmen des postkolonialen Kinos, das den Protest gegen die Ausbeutung des globalen Südens mit einer Rebellion gegen konventionelle Filmformen verband.

Eric de Guia, aka Kidlat Tahimik, wurde 1942 in Baguio (Philippinen) geboren, wo er auch heute wieder lebt. Nachdem er an der University of the Philippines Theater studiert hatte, nahm er ein Masterstudium in Ökonomie am renommierten Wharton College in Pennsylvania (USA) auf und schloss es ab mit einer Arbeit über die Schuldenprobleme der "Dritten Welt". Ein Job bei der OECD brachte ihn Anfang der 1970er Jahre nach Paris. Dort müssen ihm dann bald erste Zweifel gekommen sein an einem gut bezahlten Leben mit den Zahlen und er erinnerte sich an seine Jugendträume vom Theater und der Schauspielerei.

Um sich das Startkapital für ein Künstlerleben zu verdienen, organisierte er auf den Philippinen eine Souvenirproduktion für die Münchner Olympiade und reiste im Sommer 1972 mit 25.000 "Olympia Waldi"-Windspielen nach München. Das Geschäft lief gut an, kam dann aber nach der Geiselnahme israelischer Sportler durch die palästinensische Terrorgruppe Schwarzer September rasch zum Erliegen. Tahimik blieb jedoch in Bayern, lebte auf einer Landkommune bei Ingolstadt und geriet ins Umfeld der Münchener Filmschule - was ihm schließlich eine Nebenrolle in Werner Herzogs Kaspar-Hauser-Film JEDER FÜR SICH UND GOTT GEGEN ALLE (1974) (bis 5.10. in unserem kino3 online zu sehen) einbrachte. In Bayern begegnete er auch seiner zukünftigen Frau Katrin.

Ohne formale Filmausbildung und weitgehend abseits institutioneller Produktionswege hat Kidlat Tahimik in rund 40 Jahren ein einzigartiges und schillerndes Gesamtwerk geschaffen, das bis dato fünf lange und sechs mittellange Filme sowie fünf kürzere Video Diaries umfasst. Kidlat Tahimik ist aber nicht nur Filmemacher, sondern auch Installationskünstler, "Kulturenbeobachter" und Wanderer zwischen den Welten. In seinem Heimatort war er gemeinsam mit seiner Frau Katrin de Guia maßgeblich an der Gründung der Baguio Artists Guild beteiligt und er wirbt seit vielen Jahren für den Respekt vor der Kultur der Ifugao, einer indigenen Volksgruppe aus dem Luzon-Gebirge, bei denen Tahimik zeitweise auch lebt und lernt. Legendär sind Tahimiks öffentliche Auftritte, mit denen er, wann immer möglich, die Vorführungen seiner Filme begleitet, und bei denen seine vielfältigen Beschäftigungen und Anliegen zu spontanen Gesamtkunstwerken collagiert werden.

(Biografie leicht gekürzt von der Website des Künstlers)

Ruy Guerra wurde 1931 in der damaligen portugiesischen Kolonie Mosambik als Sohn portugiesischer Einwanderer:innen geboren. Mit 19 Jahren verließ er Mosambik und ging zum Filmstudium nach Paris. Bereits als Jugendlicher soll er Filmkritiken geschrieben und Kurzfilme gemacht haben. Um 1956 begann Guerra als Regieassistent für französische Filme zu arbeiten, bevor er 1958 nach Brasilien auswanderte.

Guerra gehört in Brasilien zu den zentralen Figuren des Cinema Novo, einer Erneuerungsbewegung, die ähnlich der Nouvelle vague nach frischen Ausdrucksformen suchte. Seine ersten beiden FIlme begründeten seinen Ruhm: OS CAFAJESTES (1962) und OS FUZIS (1964) liefen beide auf der Berlinale, OS FUZIS wurde mit einem Silbernen Bären ausgezeichnet. Guerras Kino war immer stark politisch aufgeladen, bereits in Mosambik hatte er sich in antikolonialen Gruppen engagiert. Ende der 1970er Jahre kehrte er in das Land seiner Geburt - inzwischen von Portugal unabhängig - zurück und drehte MUEDA, ERINNERUNG UND MASSAKER, einen der ungewöhnlichsten Filme seiner Karriere. Grundlage des Films bildet ein Reenactment des von den portugiesischen Kolonisatoren verübten Massakers von Mueda im Jahr 1960.

Assia Djebar (1936 - 2015) war eine algerische Schriftstellerin und gilt als eine der wichtigsten literarischen Stimmen des Maghreb. Sie wurde als Fatima-Zohra Imalayène in der Nähe von Algier geboren und entstammte einer traditionellen Großfamilie. Die liberalen Einstellungen ihrer Eltern ermöglichten ihr eine hohe Schulbildung in Frankreich und den Besuch einer Eliteuniversität. Sie engagierte sich gemeinsam mit anderen algerischen Student:innen im antikolonialistischen Kampf, nahm an einem Studentenstreik teil und musste die Universität deshalb nach zwei Jahren Studium verlassen.

1957 veröffentlichte sie ihren ersten Roman DURST, der offen weibliche Sexualität thematisierte, und nahm aus Rücksicht auf ihre Familie den Künstlerinnennamen Assia Djebar an. Im Laufe ihres Lebens veröffentlichte sie 15 weitere Romane, einige Bände mit Erzählungen sowie Hörspiele und Theaterstücke. In Frankreich, aber auch in anderen europäischen Ländern wurde sie zu einer Bestsellerautorin und zu einer öffentlichen Intellektuellen. Wenig bekannt ist, dass Djebar in den 1970er Jahre einige Male als Regieassistentin arbeitete und selbst zweit Dokumentarfilme drehte. Für LA ZERDA UND DIE GESÄNGE DES VERGESSENS erhielt sie auf der Berlinale 1982 den Sonderpreis für den besten historischen Film.

Merata Mita (1942–2010) war eine Wegbereiterin des Māori-Films in Aotearoa/Neuseeland und eine Vordenkerin des internationalen Indigenen Kinos. Sie war die erste weibliche Māori-Regisseurin, die einen Spiefilm drehen konnte: MAURI entstand 1988 und wurde 2019 digital überarbeitet, die restaurierte Fassung erlebte ihre Weltpremiere beim Filmfestival in Venedig. Vor MAURI hatte sie sich bereits als Dokumentarfilmemacherin einen Namen gemacht. In PATU! (1983) dokumentierte sie die Tour der südafrikanischen Rugby-Nationalmannschaft durch das Land. Die Tour spaltete die neuseeländische Nation und zwang Regierung und Bevölkerung, sich mit der eigenen unaufgearbeiteten kolonialen Vergangenheit auseinander zu setzen. Mita gelang mit diesem Film ein international beachteter Meilenstein des antikolonialen Kinos.