Seit Mitte der 1990er-Jahre erlebt die Kunstwelt einen beispiellosen Boom. Aus einer kleinen, überschaubaren Community hat sich in wenigen Jahrzehnten eine globale Industrie entwickelt. Weltweit entstehen neue Museen, Galerien, Biennalen, Auktionen, Messen und Kunstevents. Die Zahl der Künstler*innen wächst stetig und immer neue Ausstellungen nehmen im Kunstbetrieb eine Schlüsselrolle ein: Das Angebot an Eröffnungen, Vorträgen, Führungen und Diskussionsveranstaltungen ist inzwischen nahezu unüberschaubar und kaum noch zu bewältigen.
Der Wettbewerb in der Kunstwelt nimmt zu, die Konkurrenz wird immer größer und somit wächst auch der Erfolgsdruck aller Beteiligten. Künstler*innen müssen ununterbrochen innovativ sein. Von Museen wird erwartet, dass sie spektakuläre Blockbuster-Ausstellungen zeigen und permanent neue Besucher*innenrekorde erzielen, während Kurator*innen, Galerist*innen und Sammler*innen unablässig auf der Suche nach dem Neuen sind und dem bisher Unentdeckten hinterherjagen. Jedes Jahr küren zahlreiche Rankings die besten Kunstausstellungen, die wichtigsten Museen, die teuersten Bilder und die bedeutendsten lebenden Künstler*innen – und befeuern damit einen Kunstbetrieb, der sich zunehmen über Sichtbarkeit, Erfolg und Marktwert definiert.
Der Ausstellungsbetrieb wurde durch das Konzept der Blockbuster-Ausstellungen nachhaltig verändert. Im Fokus steht zunehmend die Anzahl der Besucher*innen, während inhaltliche Erfahrungen und tiefgründige Auseinandersetzungen in den Hintergrund treten. Mediale Dauerberieselung, hohe Werbebudgets, lange Warteschlangen und überquellende Museumsshops machen deutlich, dass der Event- und Konsumcharakter immer stärker den internationalen Ausstellungsbetrieb prägt. Der amerikanische Künstler Dan Graham hatte bereits 2008 in einem Interview erklärt: „Es gibt viele Künstler, die keine wirklich herausragenden Künstler sind, aber exzellente Entertainer.“
Welche Strategien entwickeln Künstler*innen im Umgang mit dem steigenden Erfolgsdruck? Welche Auswirkungen hat die Globalisierung des Kunstbetriebs auf die künstlerische Freiheit und die Entwicklung neuer künstlerischer Ausdrucksformen? Inwiefern beeinflusst mediale Aufmerksamkeit den künstlerischen Produktionsprozess? Welche Auswirkungen hat die Eventisierung von Kunst auf kuratorische Konzepte? Gibt es einen Qualitätsverlust durch Quantität? Wird Kunst heute mehr konsumiert als reflektiert? Welche Folgen hat es, wenn der Erlebniswert einer Ausstellung wichtiger wird als ihr inhaltlicher Anspruch? Wird Kunst zunehmend zum Lifestyle-Produkt für ein visuell orientiertes Publikum? Mit diesen und weiteren Fragen befasst sich die Ausstellung „The Best Show Ever“. Gezeigt werden rund 28 künstlerische Positionen, die sich mit dem kreativen Prozess, dem Kunstbegriff und den Eigenheiten des aktuellen Kunstbetriebs kritisch-humorvoll auseinandersetzen.
Teilnehmende Künstler*innen: Massimo Bartolini (IT), Brent Birnbaum (US), Jan Bräumer (DE), Lars Breuer (DE), Marcel Broodthaers (BE), Michael Conrads (DE), FORT (DE), Daniela Friebel (DE), Philipp Goldbach (DE), Candida Höfer (DE), Christian Jankowski (DE), Howard Kanovitz (US), Maik und Dirk Löbbert (DE), Paul McCarthy (US), Stephan Reusse (DE), Claus Richter (DE), Patrick Rieve (DE), David Shrigley (GB), Wolfgang Stehle (DE), Sebastian Tröger (DE), Ben Vautier (FR), Johannes Wohnseifer (DE) sowie Dokumentationen temporärer Werke von: Michael Asher (US), VALIE EXPORT (AT), Haus-Rucker-Co (AT/DE), Yves Klein (FR), Allen Ruppersberg (US), Jean Tinguely (FR)
The Best Show Ever
Kunsthalle Nürnberg will be presenting the exhibition “The Best Show Ever” from 1 November 2025 to 22 February 2026. It features works by 28 international artists who adopt a humorous, critical perspective on the art world, the current hype surrounding contemporary art, and the developing event-like character of art exhibitions.
The art world has been experiencing an unprecedented boom since the mid-1990s. In just a few decades, a small and manageable community has developed into a global industry. New museums, galleries, biennials, auctions, fairs, and art events are springing up world-wide. The number of artists is growing steadily, and innovative exhibitions are playing an ever-increasing, key role in the art world: the spectrum of openings, lectures, guided tours and discussion events is almost overwhelming today – making it difficult to keep track.
Competition in the art world is growing, rivalry is intensifying, and everyone involved is experiencing more pressure to succeed. Artists need to be constantly innovative. Museums and exhibition venues are expected to put on spectacular blockbuster exhibitions and keep breaking visitor records, while everyone working in the cultural sector is constantly on the lookout for novelty, hunting for previously undiscovered gems. Every year, numerous rankings select the best art exhibitions, the most important museums, the most expensive paintings, and the most significant living artists – thereby fuelling an art industry that is becoming increasingly defined in terms of visibility, success, and market value.
The concept of blockbuster exhibitions has brought about lasting change in the exhibition industry. The focus has shifted more towards attracting bigger numbers of visitors, while content-related discussions and more profound questions have been relegated into the background. Constant media bombardment, high advertising budgets, long queues and overflowing museum shops show clearly that the event and consumer culture is shaping international exhibition programmes. American artist Dan Graham said in an interview as long ago as 2008: “There are many artists who are not truly outstanding artists, but excellent entertainers.”
What strategies are artists developing to deal with this growing pressure to succeed? What impact is the globalisation of the art world having on artistic freedoms and the development of new forms of artistic expression? To what extent does media attention influence the artistic production process? What impact does art’s “eventisation” have on curatorial concepts? Is quality losing out to quantity? Do people consume art today rather than reflecting upon it? What happens when the experiential value of an exhibition becomes more important than its content? Is art becoming more of a lifestyle product for a visually oriented audience? These and other questions are addressed in the exhibition The Best Show Ever, which shows around 28 artistic positions that examine – in a critical and amusing way – the creative process, the concept of art, and the peculiarities of today’s art world.
Participating artists: Massimo Bartolini (IT), Brent Birnbaum (US), Jan Bräumer (DE), Lars Breuer (DE), Marcel Broodthaers (BE), Michael Conrads (DE), VALIE EXPORT (AT), FORT (DE), Daniela Friebel (DE), Philipp Goldbach (DE), Haus-Rucker-Co (AT), Candida Höfer (DE), Christian Jankowski (DE), Howard Kanovitz (US), Maik and Dirk Löbbert (DE), Paul McCarthy (US), Stephan Reusse (DE), Claus Richter (DE), Patrick Rieve (DE), David Shrigley (GB), Wolfgang Stehle (DE), Sebastian Tröger (DE), Ben Vautier (FR), and Johannes Wohnseifer (DE) as well aa a documentation of temporary works by Michael Asher (US), VALIE EXPORT (AT), Haus-Rucker-Co (AT/DE), Yves Klein (FR), Allen Ruppersberg (US), Jean Tinguely (FR)
